Un fleuve qui se déchaîne. Un soleil qui brûle les yeux. Une femme qui perd la tête. Une fille qui chante dans un boui-boui. Un chinois qui rêve sous l’opium. Une chasse à l’enfant dans la jungle. Un éclair ! Un mariage sans amour. Un voile de tristesse. Une gaîté exaltée. Une jeune fille qui marche jusqu’au bout de la nuit. Vous n’aurez pas Nina ! Un soleil noir. Un père crie son amour. Un coin perdu dans le Sud-Est asiatique. Une outcast. Une barque vide qui tremble dans l’orage. Des palmiers frissonnants. Un mort. Des moustiques. Un film tellurique. Une histoire tragique, comme les tragédies antiques qui ne vieillissent jamais. Une histoire vieille comme le monde. Une histoire jeune comme le monde. D’amour et de folie. De rêves impossibles. (extrait du dossier de presse)

Attiré par une telle prise de risque (adapter au cinéma le premier roman de Joseph Conrad, après avoir adapté Proust, avec La Captive) et soucieux de voir comment les longues descriptions de Conrad pourraient se marier au style contemplatif d’Akerman, je suis donc allé voir ce pur objet de cinéma, comme je les aime. En sachant aussi à quel point l’exercice est périlleux…

Ce qui frappe, c’est que La folie Almayer semble autant se référer à des souvenirs de lecture, des reminiscences du texte original, qu’un désir de se démarquer de celui-ci, au moment de l’écriture d’un scénario pour le cinéma. Plus précisément, ce qui a marqué Akerman, c’est l’avant-dernier chapitre du roman de Conrad dans lequel le père est confronté au départ de sa fille, dans la jungle.

La relation père-fille est centrale dans le film, adaptation très libre de ce point de vue là. Une autre liberté prise par rapport au texte original est de noyer le romantisme (profondément) au profit d’une oeuvre minérale. La folie Almayer prend donc la voie d’un cinéma pur, discourant grâce à la puissance de ses images, où les compositions tant sonores que visuelles s’associent et s’entrechoquent parfois, pour faire sens. Expérience sensorielle, La folie Almayer pourrait même trouver le parfait équilibre entre narration et expérimentation si justement la partie “dialoguée” se hissait au niveau du matériau image/son, extraordinaire.

Ce n’est malheureusement pas toujours le cas, car la cinéaste n’arrive pas à se défaire de l’effet gigantisme et “récit biblique” qu’elle veut à tout prix fuir. Cependant, malgré la maladresse et le manque d’incarnation de certaines parties dialoguées du film (ou un problème d’authenticité dans l’écriture ?), la puissance de sa fibre documentaire est fascinante, hallucinante. Au point de mettre au second plan l’intrigue, aussi sèche soit-elle. La touche tellurique de La folie Almayer agrémentée de tout l’imaginaire Conradien (j’entends par là autant les écrits de l’auteur, Au coeur des ténèbres, en premier lieu) et des flashs mentaux, dont on ne peut se défaire, d’Apocalypse Now et même d’Aguirre (le chef d’oeuvre d’Herzog), font du film une réussite indéniable.

Chantal Akerman

Même s’il n’atteint pas la qualité des films d’Apichatpong Weerasethakul, le film assez chaotique de Chantal Akerman fait tout de même penser au cinéaste thaïlandais dans ses meilleurs moments. Mais surtout, il n’en demeure pas moins une expérience absolument indispensable pour ces moments de grâce là ! Puisque Chantal Akerman touche (à nouveau) à ce qui doit faire la spécificité du cinéma, par rapport à la bande dessinée, à la série télévisée ou encore à la photographie, assembler un matériau composite pour donner lieu à un souffle sensoriel inédit et revigorant. Et malheureusement en déphasage total avec les attentes du “grand public”.

La première nouvelle de ce recueil, intiyulée L’amour, l’honneur, la pitié, l’orgueil (les vérités essentielles sur lesquelles il faut écrire selon Faulkner) semble largement autobiographique. Une bonne partie raconte en effet les difficultés rencontrées par l’auteur face à la difficulté de l’écriture (qui confesse au passage un petit faible pour le whisky). La relation père-fils est ici à l’honneur. Le père, Ba, dit à son fils au sujet de ses lecteurs « Ils applaudiront et ils oublieront. » (p.37)

Il est également question des thèmes abordés dans les nouvelles à venir. Ba conte son expérience de la guerre du Vietnam. Ce thème revient dans la nouvelle qui clôt le recueil, Le Bateau. Il est par ailleurs question d’hémorroïdes dans la nouvelle Revoir Elise… Dans celle-ci, un peintre néo-figuratif, Henry Luff, apprendra qu’il est atteint d’un cancer du côlon. Il veut à tout prix rencontrer sa fille, une violoncelliste prodige, avant que la maladie ne l’emporte. Elle n’est pas au courant de sa maladie et refuse de voir Henry. Dans cette nouvelle, Nam Le excelle ; il nous donne la nausée, le mal de mer et parvient à nous faire ressentir physiquement le mal être et la douleur de son personnage. Une des grands textes de ce recueil.

Chaque nouvelle explore des régions différentes du globe (Téhéran, Medellin, Hiroshima, Australie) et l’auteur se régale à dépeindre des torrents d’émotions qui précèdent une chute irrémédiable, un changement de vie radical, une rupture… Le livre se termine même de manière optimiste avec un bateau qui fuit le Vietnam en guerre. Un peu inégal (Cartagena, Halflead Bay m’ont moins impressionné) ce recueil parvient souvent à être bouillonnant, par la force de l’écriture. Choc des cultures (Ici à Téhéran), et exploration des mutiples facettes d’une vie, Le bateau est l’un meilleurs recueils de nouvelles que j’ai pu lire ces dernières années.

Après un mois de janvier riche en sorties de qualité (Millenium, Edgar J.), j’ai choisi de revenir sur Take Shelter, après une seconde vision du film, nécéssaire pour en apprécier toutes les subtilités. Film réellement marquant, il progresse étonnamment beaucoup par images mentales, fruit de visions cauchemardesques de Curtis Laforche (Michael Shannon). Dans le premier tiers de Take Shelter, celui-ci prend des allures de film fantastique, aux effets horrifiques saisissants et dignes d’une grosse production hollywoodienne. On pense d’ailleurs inévitablement au cinéma de M. Night Shyamalan. L’intérêt de Take Shelter, du moins jusqu’à la moitié du film, c’est qu’il est peu évident de relever ce qui appartient aux hallucinations de Curtis et ce qui est du domaine du réel objectif. Mais peu à peu, l’incompréhension des proches (collègue et chef de travail, épouse) montre bien que le personnage principal est victime d’un problème psychologique sérieux. Il est schizophrène.

Tout comme Melancholia, sorti l’an passé, Take Shelter est un film malade, qui joue la carte de l’intime face à une angoisse de fin du monde. Elle est donc perçue depuis la cellule familiale qui se fissure mais tient debout. Et tout comme Melancholia, Take Shelter est porté par des acteurs prodigieux (Michael Shannon et Jessica Chastain).

Take Shelter se concentre pourtant sur cette seule idée : filmer la peur de tout perdre. Alors que dans Melancholia, cela n’apparaît qu’à la fin du film. Et c’est le personnage interprété par Charlotte Gainsbourg qui représente cette angoisse, alors que la mélancolique Kirsten Dunst n’a elle rien à perdre. Dans Take Shelter, Curtis est hanté par cette angoisse, à la suite de ses visions. Il a également peur de perdre la raison. Et progressivement, il sombre alors que la menace semble prendre corps (sans que nous sachions si elle est réelle. Nous le saurons d’ailleurs au dernier plan du film).

Le « héros » n’a aucune autre quête que celle de se rattacher à sa raison, de garder pied dans le réel « objectif ». Lors d’une très belle scène, nous voyons Curtis qui conduit sa famille endormie en voiture. Il s’arrête au bord de la route et descend de son véhicule pour observer les éclairs dans le ciel. Il dit alors : « suis-je le seul à voir cela ? ». Take Shelter ne tente jamais de noyer le poisson dans des sous-intrigues artificielles. Au contraire, personne (psychologues, médecins et proches) ne semblent en mesure de venir en aide à Curtis. Certain qu’un ouragan va terrasser la région, Curtis contracte un prêt pour construire un abri antiatomique.

Face à un tel sujet, Jeff Nichols multiplie les vues sur le ciel menaçant, et la Terre, protectrice. Dernier refuge des hommes, symbolisant le retour à un état pré-natal. Et face au traitement d’un tel sujet, d’une limpidité désarmante, il semblerait qu’un cinéaste américain d’envergure soit né. Mais attendons le troisième film de Jeff Nichols (après Shotgun Stories et ce Take Shelter) avant de crier au génie.

Steve Jobs était un autocrate manipulateur, un véritable homme de pouvoir et de contrôle, un « manager détestable » (selon Jef Raskin), capable d’avoir recours au « management par l’humiliation et la destruction des individus. » (Mike Murray). Les attitudes extrémistes du dirigeant s’expliquent en partie pas une vision du monde binaire : 1-les génies, 0-les nuls. Par dessus tout, Jobs faisait preuve d’une capacité étonnante à se réapproprier les idées des autres. A tel point qu’il a repris à son compte cette maxime de Picasso : « les bons artistes copient. Les grands artistes volent. » Plusieurs fois, des employés de la Pomme ont raconté qu’après avoir présenté leurs idées à Jobs, il leur a répondu « c’est de la merde ». Ensuite, celui-ci présentait la même idée comme provenant de son cerveau. Mais il faut bien reconnaître à la décharge de Jobs que la mise en œuvre d’une idée est tout aussi importante que cette dernière… Et manifestement, on pouvait compter sur le patron d’Apple pour aller au bout de ces (ses?) concepts !

L’ancien PDG d’Apple était un personnage aussi secret qu’il pouvait avoir le sens de la mise en scène et du spectacle (lors des grandes messes Keynote). Il n’hésitait pas non plus à mentir pour servir son grand œuvre : faire entrer l’informatique et l’ordinateur personnel dans les foyers, dès les années 1970 et plus tard dans une poche de jean…

Apple a donc peu à peu rendu contagieuse la simplicité d’utilisation d’appareils ultra perfectionnés, efficaces et rapides. Mais avant que le « tout en un » cher à feu Jobs ne devienne le standard et la référence absolue (sous forme mobile, dans les années 2000), l’acception a été longue et difficile. Mais sa volonté de concevoir toujours plus que de simples produits l’a emporté. Cette capacité d’innovation quasi-permanente, qui a dérouté la concurrence pendant 40 ans, s’explique selon le biographe de Steve Jobs par le fait que ce dernier se tenait à la croisée de l’art et de la technologie.

Et si Apple a su séduire autant d’utilisateurs, c’est sans doute en raison du caractère intuitif de ses interfaces, du design épuré de ses produits, de la grande fiabilité d’un système fermé (réduisant les problèmes d’incompatibilité) et facilitant la rapidité des calculs.

Les plus jeunes considèrent sans doute Steve Jobs comme étant un visionnaire du fait de la réalisation de l’iPhone, puis de l’iPad. Mais ce serait oublier l’apport de l’ex PDG de la firme de Cupertino à la micro-informatique : souris, écran, clavier et puis au niveau logiciel, les bases d’un système d’exploitation : le bureau, les fenêtres, les dossiers, les icônes…

Sur l’auteure : Laura Kasischke a étudié à l’Université du Michigan, elle a gagné de nombreux prix littéraires pour ses ouvrages de poésie ainsi que le Hopwood Awards ; elle a également reçu la Bourse MacDowell.  Ses poèmes ont été publiés dans de nombreuses revues. Ses romans La Vie devant ses yeux et À suspicious river ont été adaptés au cinéma.  Elle vit dans le Michigan, et  enseigne l’art du roman au collège de Ann Arbor.

Qui a pu s’en prendre à Nicole Werner au point de la tuer ? Elle était pourtant l’incarnation de la jeune fille américaine, l’élève modèle. Et surtout comment expliquer que la description de la presse change du tout au tout par rapport à ce qu’a vu Shelly, la première personne a être arrivée sur le lieu où Nicole est morte.

Peu à peu, Nicole réapparaît tel un fantôme et le roman se teinte d’un fantastique et d’une ambiance de thriller haletante. Perry, le colocataire de Craig (petite amie de Nicole) est témoin de ces apparitions et il en fait part à Mira, sa professeur de d’anthropologie spécialiste des rites funéraires. Convaincue par son élève, Mira décidé d’écrive une enquête (motivée par une publication) sur la disparition de Nicole.

Il est régulièrement question de la mort de de Nicole perçue par le prisme de Google et des médias. On se demande finalement comment la lumière n’a pu être faite sur cette affaire (comment peut-elle ne pas se trouver dans un moteur de recherche ?) malgré tout le battage médiatique qui l’a entourée. L’auteure utilise son imaginaire pour développer le mystère qui règne autour du bizutage et des sororités. Il s’agit d’une des grandes réussites du livre.

Les Revenants est un roman halluciné, une sorte de campus novel distendu obsédant et convaincant. Les chapitres du livre sont brefs et se présentent comme des nouvelles à chute. En poète, Laura Kasischke s’exprime dans une langue qui est elle-même une aventure. Le roman est extrêmement bien conduit et ne souffre d’aucune longueur, malgré la banalité de certains instants dépeints. Le style de l’auteure fait qu’elle pourrait nous raconter n’importe quoi et que nous y adhérons grâce à sa maîtrise de la langue, à son phrasé incroyablement froid et distant mais poétique.

Sur l’auteur : William Memlouk a 34 ans. Après s’être spécialisé en littérature et musique de jazz à l’École doctorale d’Aix-en-Provence, il devient journaliste professionnel et collabore avec plusieurs magazines culturels. Il est aujourd’hui rédacteur en chef d’une revue de psychologie et directeur de collections.

Dans ce premier roman, William Memlouk nous fait vivre la légende de Charlie Mingus de l’intérieur, avec un vrai talent d’écriture et de conteur. A tel point qu’il est peu évident de délimiter l’hstoire et les parties relevant de l’imaginaire de William Memlouk. C’est tout l’attrait de ce livre qui même génie artistique, troubles sentimentaux, racisme, pulsions intérieures…

Sous la plume de Memlouk, Charlie Mingus était un sanguin, obsédé par Tijuana, une ville dans laquelle il pouvait s’afficher au bras d’une blanche. Et si le fondateur de Charlie Modernists pouvait passer pour quelqu’un d’arrogant, de rude ou de malpoli, c’était plutôt par maladresse, par incompréhension, par timidité excessive. D’où le recours à la musique comme langage.

Ce qui peut aparaître comme paradoxal avec ce portrait de Mingus, c’est sa vision aérienne du jazz. En fait, il apparaît que Mingus composait comme on écrit, ce qui explique la singularité de sa musique. Et le rapport conflictuel de Charlie Mingus au monde s’exprime à travers sa musique, qui contient autant d’influences africaines que d’énergie américaine transformée en rage. Mingus avait mélangé jazz et boxe, les deux armes dont disposaient les afro-américains pour lutter.

William Melouk l’indique en ces termes : “au contact du ghetto, la contrebasse était devenue son arme. Sous les assauts répétées de ses énormes mains, il avait appris, au fil du temps, à faire valdinguer les notes de musique comme autant d’unjustices et d’adversaires écartés de son chemin, les uns après les autres.” (p.28) Avec ce premier roman, la passion de Memlouk pour son sujet passe. Et sa connaissance de la musique lui donne toute sa force et son crédit.

Mingus Mood de William Memlouk

Editions Julliard, août 2011

248 pages, 18 €

On prend les mêmes (Marina Foïs, Karin Viard, Joey Starr) et on change tout, semble s’être dit Maïwenn après Le Bal des actrices. En tant que (jeune) cinéaste, Maïwenn n’a pas envie de tourner en rond. On ne saurait lui donner tort, malgré le vent de fraîcheur de sa comédie musicale – documentaire sur les actrices. Elle s’est donc lancée dans l’inconnu en décidant de faire un film sur la brigade de protection des mineurs (BPM) de Paris. Un beau défi ! Qui a commencé par un stage d’observation générateur d’idées.

Prix du Jury à Cannes, Polisse est sur toutes les lèvres et encensé par la critique. Comment pourrait-il en être autrement ? Tant c’est un film sensible, à bonne distance, abouti. Car Maïwenn ne fait ni du “reportage TF1″, ni un film misérabiliste. Elle s’intéresse au liens qui naissent entre les membres de la brigade (on pense inévitablement à Police de Pialat), montre leur aptitude à tenir à distance la gravité des affaires qu’ils ont en charge avec beaucoup d’humour, parfois crû.

L’immersion offerte pas Polisse est assez exceptionnelle, obtenue grâce à une attention permanente au naturalisme des séquences.  Les membres de la BPM sont autant montrés hors de leurs fonctions qu’au travail, aux prises avec leurs soucis quotidiens et avec le caractère absorbant de leur métier. La description du métier aurait d’ailleurs fait mouche auprès des (véritables) fonctionnaires, ce qui atteste de la qualité documentaire du long-métrage.

Maïwenn a, à nouveau, eu la bonne idée de compiler plusieurs affaires (qui ont lieu au sein de la brigade et à l’extérieur, justifiant par là la durée du film, plus de deux heures), de nombreux témoignages permettant d’ouvrir des réflexions sur la pédophilie, la religion, l’évolution des moeurs… Polisse est une réussite au vu de tous les points énoncés plus haut. Et la performance d’acteur de Joey Starr notamment l’élève au rang de futur classique. Le rappeur d’NTM a puisé dans son passé une force qui donne à son rôle toute sa conviction, son expression et ses émotions.

Au vu de films tels que L’Apollonide de Bertrand Bonello ou de ce Polisse, on se dit que l’année 2011 ne cesse de nous mettre le cul par terre ! On en redemande.

“Être partour c’est être nulle part”, Sénèque (cité par Nicholas Carr)

Quatrième de couv’ : Faites donc ce petit test : prenez le temps de tranquillement lire ce livre… Sans aller surfer sur Internet. Vous n’y parvenez pas ? C’est que Nick Carr a raison : Internet a déjà modifié votre cerveau !

C’est bien sûr à une révolution technique et informationnelle que nous assistons avec Internet. Mais c’est surtout à une révolution dans notre cerveau ! Vous aviez l’habitude de lire tranquillement et de façon linéaire un livre sur lequel vous portiez toute votre attention. Cela pouvait durer des heures pendant lesquelles vous, lecteurs, vous immergiez dans le monde singulier d’un auteur, en y mettant toute la concentration que vous désiriez. Regardez maintenant ce qui se passe quand vous vous connectez à Internet. Vous zappez de page en page par des liens qui vous promènent ici et là, et pendant ce temps vous êtes aussi bombardés de messages, parfois d’alertes vous informant qu’un mail vient de vous arriver ou qu’une nouvelle récente vient de mettre un blog ou un site Web (sur un flux RSS) à jour…

Que se passe-t-il alors dans notre esprit ? En quoi cet environnement électronique change-t-il notre état mental, voire notre comportement social ? Ne serons-nous bientôt plus capables de nous concentrer plus de quelques minutes sur un texte ? N’allons-nous pas nous contenter de picorer ici et là quelques bribes (de textes, de vidéos, de messages audio) ? Notre cerveau, incroyablement plastique, s’adapte très vite aux nouvelles technologies et à leurs nouvelles tentations… Quels sont les avantages et les inconvénients de ces changements pour notre esprit ?

Nicholas Carr pose ici une question fondamentale : quel monde nouveau l’Homo sapiens vient-il de se forger et y résistera-t-il ? Dans un détour historique passionnant, il nous rappelle que l’homme s’est constamment créé de nouvelles façons de penser. D’abord en inventant l’écriture (Sumer, les hiéroglyphes égyptiens…, et le passage de la culture orale à l’écrit) puis en faisant évoluer la lecture (devenue silencieuse après des siècles ou elle se fit à voix haute). L’imprimerie lui a fait accomplir un saut nouveau dans l’accès à la connaissance. Et jusqu’à très récemment, la capacitéà se concentrer dans la lecture, pour tout apprentissage, a été au coeur de notre mode d’éducation.

Que va-t-il se passer maintenant que des professeurs d’université – même en littérature – ne parviennent plus à faire lire leurs étudiants (Guerre et Paix, À la recherche du temps perdu… c’est bien trop long). Internet va-t-il nous rendre bêtes, comme le laissent entendre certaines études scientifiques ? Comment les générations futures vont-elles penser ?

Sur l’auteur : Nicholas Carr, membre du comitééditorial de l’Encyclopedia Britannica, est un des éditorialistes anglo-saxons les plus connus, ayant écrit pour le New York Times, le Wall Street Journal, le Guardian britannique, le magazine culte Wired. Il tient un blog fameux baptisé« Rough type ».

Les algorithmes de classement de Google et son référencement systématique peuvent-il nous rendre stupide ? demandait Nicholas Carr dans la revue Atlantic. En d’autres termes, la mécanique d’Internet modifie-t-elle nos capacités de concentration, d’attention, de mémoire ? Certains en sont convaincus (parmi eux l’auteur d’Internet rend-il bête ?), d’autres attendront de voir à l’usage prolongé si notre cerveau n’est pas capable de muter, quand bien même nombre d’entre nous sont noyés par la somme des informations stockées en ligne…

A travers, ce livre Nicholas Carr montre que notre cerveau n’a pas le temps de s’approprier la multitude d’informations que nous emmagasinons en surfant et que la modification de la forme d’un média modifie aussi son contenu. En d’autres termes, un journal en ligne n’est plus un journal, un ebook contenant des liens hypertextes n’est plus un livre…

Nicholas Carr recense les différences entre le monde de la page et celui de l’écran, l’évolution fulgurante du Net et les modifications qu’il apporte inévitablement au fonctionnement de notre cerveau. Comme pour la musique ou le cinéma, Internet fait déjà de la lecture de journaux et bientôt de romans une expérience sociale et parfois participative. Le référencement induit une simplification de l’écriture autant qu’une diminution du travail effectué sur le langage au profit d’une navigation rapide, en diagonale.

Une rapidité de lecture qui est paradoxalement faite d’un nombre incessant d’interruptions et de distractions qui nuisent à la pensée profonde. A cela la lecture multitâche ajoute une confusion supplémentaire expliquant sans doute pourquoi ce que nous lisons s’est volatilisé une fois notre ordinateur éteint (pour ceux qui arrivent à se déconnecter). Selon l’auteur de cet essai, la Toile est d’une richesse sans borne mais nous n’avons pas encore réussi à dompter ces flux d’informations plus distrayants que réellement enrichissants puisque nous ne prenons pas le temps de les assimiler.

Est-ce la faute de Google qui fait des messages publicitaires et de cette distraction permanente son business (au même titre que la radio, et la télévision) ou bien de l’internaute pressé qui préfère cet enrichissement de l’instant, volatile, à la vraie connaissance durable (qui nécessite elle du temps et la répétition) ?

L’ouvrage de Nicholas Carr est très annoté et documenté et il permet une meilleure compréhension du fonctionnement de la mémoire afin d’optimiser ses performances, tout comme le développement d’un savoir. Avec un recul saisissant, l’auteur nous invite à réfléchir aux médias que nous utilisons quotidiennement, si pratiques qu’ils nous ont fait oublier le papier.

En tant qu’hommage au cinéma Grindhouse, ce Drive est une curiosité, qui aura davantage sa place sur l’étalage des Boulevard de la mort ou Planète Terreur que de Macadam à deux voies ou même Collatéral. Surprise donc de voir le cinéaste du Guerrier Silencieux débouler sur le ring des Tarantino et Rodriguez.

Nicolas Winding Refn se distingue des deux chouchous des cinéphiles en proposant un film d’action classe, sec, kitsch. Dans Drive, kitsch réunit aussi bien goûts doûteux (police de générique rose bonbon indigeste, bande-son hideuse) qui s’entrechoquent avec une photographie (de Newton Thomas Sigel, directeur photo de Bryan Singer) et une mise en scène appliquées (prix de la mise en scène à Cannes). Enfin, Ryan Gosling ne devait sans doute pas être très loin du prix d’interprétation. Il l’aurait d’ailleurs mérité tant son jeu est précieux et valorisé par le minimalisme de l’écriture. On regrettera cependant le peu de présence à l’écran de Bryan Cranston (Breaking Bad), immense acteur du petit écran. Et il est à noter également le petit rôle de Christina Hendricks (Mad Men), autre programme au succès critique et populaire diffusé sur la chaîne américaine AMC.

Drive n’est pas la bombe annoncée. Plaisant mais vain (cinéma d’exploitation oblige, sans doute), esthétisant jusqu’à l’ennui et dépourvu de la moindre touche d’humour, à la différence de Bronson par exemple. Il m’est bien égal que N.W. Refn révolutionne le cinéma de série B (quand bien même ce serait le cas) et j’aimerais le voir dans d’autres projets avec d’autres ambitions. Mais le bougre s’est fait plaisir cette fois-ci et on ne lui en voudra pas (trop). D’ailleurs, j’explique ma réaction par le fait que le parti pris (esthétique) du cinéaste est tel que le film devrait susciter des réactions passionnées, extrêmes.

Aussi la secheresse du film m’a franchement intrigué, l’écriture est minimaliste à souhait, adroite. La première moitié de Drive, grâce à la durée des plans qui tranche intelligement avec les codes du film d’action, est une curiosité… pour ceux qui ne connaissent pas le cinéaste ! La seconde partie du film est un hommage trop appuyé au cinéma d’exploitation. La débauche de violence esthétisante qui gagne alors le film fait peine à voir pour qui la rejette. Mais il est/sera très intéressant de voir comment ce cinéma d’entertainement faussement intello sera accueilli par un public qui n’en demande sans doute pas tant… Qu’importe, le prochain coup de Nicolas Winding Refn sera scruté tout de même avec attention sur ce blog.

“Depuis le commencement du monde, chaque siècle a augmenté et augmente encore la richesse réelle, le bonheur, la science et peut-être la vertu de l’espèce humaine.” L.G. Gibbon 

Quatrième de couv’ : « Les transhumanistes sont des idéologues visant au dépassement de l’espèce humaine, qu’ils considèrent comme imparfaite, par une cyber-humanité.

Le rêve des transhumanistes est donc celui de l’immortalité pour une créature, produit du génie de l’homme. »Saviez-vous que les cyborgs existent déjà ? Qu’il est aujourd’hui possible à des amateurs de pratiquer des manipulations génétiques dans leur cuisine ? Que bientôt il sera possible d’intégrer la puissance d’un ordinateur complet sur une seule puce ? Connaissez-vous la brouette moléculaire ? L’Apocalypse est-elle pour demain ? Loin de la pensée dominante du conformisme écologique, les auteurs voient plus loin : l’homme augmenté.Dans cet essai percutant, Geneviève Ferone et Jean-Didier Vincent nous proposent une réflexion sur le « forçage technologique » et ses implications politiques.

Des émeutes spontanées au réchauffement climatique, de Palo Alto à Maputo, de Tunis à New York, nos enquêteurs au pays du futur interrogent la capacité de l’homme à survivre.

Sur les auteurs :

Docteur en droit, Geneviève Ferone est aujourd’hui directrice du développement durable du Groupe Veolia Environnement. Elle est l’auteur, chez Grasset, de 2030, le Krach écologique (2008).

Jean-Didier Vincent est biologiste. Fondateur de la neuro-endocrinologie, membre de l’Académie des sciences, il est aujourd’hui professeur émérite à l’Université de Paris XI et membre honoraire de l’Institut Universitaire de France. Il a reçu en 2010 le prix Femina de l’essai pour Elisée Reclus, géographe écologiste et anarchiste (Robert Laffont).

Bienvenue en Transhumanie, Sur l’homme de demain est un essai que l’on peut situer au carrefour des sciences, de la philosophie, de l’ontologie… Mais pour s’interroger sur l’Homme de demain, les co-auteurs ne peuvent éviter des remarques sur l’état de la planète, constat alarmiste que l’on peut déjà lire (partout) ailleurs. Elle est davantage au centre de cet essai qu’on ne pourrait le croire au vu du titre de ce livre de Geneviève Ferone et Jean-Didier Vincent. Et cela ce fait au détriment de “l’anticipation” et de la focalisation sur le post-humain. Cependant cet essai contient de nombreuses annexes très utiles sur les nanotechnologies, la science du cerveau ou encore l’interface cerveau-machine.

La partie “projection futuriste” est bien celle qui m’a le plus captivé et pour laquelle le livre m’a intrigué. Elle est passionnante, documentée et contient de nombreuses réflexions pertinentes. Elle ne débute véritablement qu’au chapitre 4 (le dernier) intitulé “Le forçage technologique”.  Bien que vulgarisé, et c’est tant mieux, ce dernier développe les concepts de Singularité, explore les possibilités de la nanomédecine, des réseaux, des OGM et l’avènement d’un homme nouveau.

“Attendre de la science elle-même la solution des désordres qu’elle a engendrés, c’est le forçage technologique“, écrivait Ernest Trochu dans Sauve qui peut.  Pourrait-on soigner le mal par le mal ? Est-ce même envisageable ? Geneviève Ferone et Jean-Didier Vincent convoquent la honte prométhéenne de Günther Anders pour illustrer l’incomplétude de l’homme : en refusant d’être une créature bâclée, l’être humain crée. Il fabrique tellement d’accessoires qu’il risque de devenir lui-même un objet…

Bienvenue en Transhumanie, Sur l’homme de demain

Editions Grasset, 2011

294 pages (17,50 euros)